Jarra art déco com flores de Raoul Lachenal – França

Jarra art déco de grés porcelânico, modelada em forma de balaústre, de cor verde-bronze antigo mate, com decoração de flores estilizadas, a branco-mosqueado igualmente mate, de corolas poligonais irregulares, raiadas a partir de centro circular. As flores, de diferentes tamanhos, serpenteiam de um só lado subindo pelo bojo, num esmalte espesso delineado a corda seca. Bocal saliente em forma de anel liso. No fundo da base, pintado à mão, a castanho, «Raoul Lachenal».

Data: c. 1920

Dimensões: Alt. 18 cm

Trata-se de uma peça bem exemplificativa do abandono da estética Art Nouveau por Raoul Lachenal que, mantendo o japonismo, aligeira e geometriza a decoração de acordo com os novos cânones que a exposição de Paris de 1925 haveria de sintetizar. Uma estética que, na sua simplificação de formas e decorações, oscilou entre o culto do objecto único e irrepetível e a produção seriada para consumo mais alargado.

Claramente influenciada pelas formas e decorações do Extremo Oriente, esta jarra remete igualmente para os trabalhos de bronze dessa região e para a dinanderie tão em voga na França à época.

A técnica do petit feu utilizada por este ceramista, que integra um grupo menos preocupado com a tradição, procura a renovação da arte milenar da cerâmica graças a novas experimentações mais abertas ao tempo que passa, às modas ou à própria personalidade dos criadores. (Edgar Pelichet – La Cèramique Art Déco, 1988).

Dado o esmalte verde-bronze não recobrir uniformemente a superfície da jarra, transmite a ilusão de uma pátina antiga, de matéria envelhecida e suja pelo tempo, ideia retomada no branco-mosqueado das flores, o que confere à peça um requinte e uma sumptuosidade de grande expressividade.

Raoul Lachenal, percebendo o seu tempo, foi dos poucos grandes ceramistas mundiais, a par de Bonifas, que, sem abdicar da peça artística e única, procurou produzir seriados.

Um aparte: quando, na nossa colecção, integramos peças Arte Nova japonizantes, pretendemos ilustrar, para nosso gozo pessoal, a evolução de um gosto que marcou indelevelmente a estética ocidental e a Art Déco em particular, de que esta jarra é um modelo exemplar.

Jarra com borboletas - Royal Copenhagen - Dinamarca

Jarra ao gosto Arte Nova japonizante, de porcelana moldada em forma de balaústre, com decoração policroma, pintada à mão, em tons pastel, predominantemente de cinzas azulados. No dealbar de uma manhã sem nuvens, duas borboletas esvoaçam em primeiro plano, servindo de repoussoir a uma paisagem campestre, de colinas suaves, que cinta linearmente o bojo, e onde nos apercebemos de uma pequena casa rural que desponta por detrás da curva suave de uma colina. Apercebemo-nos também da copa de árvores que lhe estão próximas. Num plano intermédio a clara presença de três árvores recortadas contra o céu opalino. No fundo da base, carimbo verde com coroa circundada por «Royal Copenhagen» sobre três ondas pintadas à mão a azul. Também à mão, a verde, nºs 925 (decor) e 88B. (forma), e a azul «53» (nº do pintor E. Gad).

Data: c. 1900 (Marca entre 1897 e 1922)

Dimensões: Alt. 13,5 cm x Ø 8,5 cm

Trata-se de um modelo de Arnold Krog, de 1893, que recebeu uma decoração executada pelo pintor E. Gad, que trabalhou na fábrica Royal Copenhagen de 1893 a 1932.

O nascer do Sol, antevisto no toque opalino da alvorada, símbolo do renascer da vida, tem correspondência no acordar das borboletas que iniciam o seu voo na paisagem ainda adormecida. O Simbolismo da pintura complementa-se no japonismo evidente da composição.

Gostamos deste tipo de peças da Royal Copenhagen. Sendo umas mais meditativas e melancólicas que outras, de uma maneira geral são apaziguadoras. Transmitem uma saudade bucólica a quem nunca viveu numa paisagem assim, mas que sente falta dela na agitação da grande cidade. 

Escultura “Carpa” - Aleluia - Aveiro

Peça de faiança moldada, em forma de peixe (carpa) saltando das águas que lhe servem de pé, de cor creme com aguadas a castanho e azul, cores que acentuam as áreas relevadas. No fundo da base, pintado à mão, a azul, «885» «Aleluia».

Data: c. 1945 - 55 [ver comentário de CMP]

Dimensões: Alt. 15,5cm x Comp. 14 cm x larg. 9,5 cm

Forma claramente inspirada nas célebres «carpas de Tóquio», motivo frequente em muitos dos tecidos, gravuras, bronzes, cerâmicas japoneses que começaram a chegar à Europa a partir do último quartel do século XIX.

O tema das carpas, na sua agitação frenética, saltando e nadando contra a corrente, agradou a muitos artistas ocidentais. O japonismo de então, que tanto influenciou a Arte Nova europeia e de que a «Maison Bing» foi a grande divulgadora, vai prolongar-se no tempo, adaptando-se a novas estéticas.

Mostramos alguns exemplos desta permanência e evolução, da Arte Nova da jarra de vidro de François-Eugène Rousseau, passando pela cerâmica de Alfred Renoleau ou, a já ao gosto art déco, de E. Gazan e, finalmente, esta versão barroquizante da Aleluia-Aveiro.

Jarra com cisnes da Royal Copenhagen - Dinamarca

Jarra de forma ao gosto Arte Nova, de porcelana moldada, com decoração policroma naturalista japonizante, em tons pastel, pintada à mão. Sobre uma paisagem costeira, com mar calmo e céu nublado, envolvendo a totalidade do bojo, voam dois cisnes brancos. No fundo da base, carimbo verde, com coroa, da "Royal Copenhagen”, sobre três ondas a azul pintadas à mão. Também a verde, pintados à mão, nºs 1973 (decor) e 1217 (forma/modelo) e, a azul, 168 (nº do pintor).

Data: 1912-1923 (Marca c. 1889 – 1923)

Dimensões: Alt. 25.25 cm

Estamos em crer que se trata de uma forma criada por Arnold Krog, em 1894, de quem já mostrámos outros modelos, dado ser idêntica à nº 108, de menores dimensões, concebida por este criador, e a cuja informação tivemos acesso.

O nº 168 informa-nos que se trata de uma peça pintada por H. Henrichsen, artista activo na fábrica Royal Copenhagen de 1912 a 1923.

Pegando num dos temas queridos e tão característicos dos romantismos nacionais nórdicos, que utilizam como motivos a flora, a fauna e as paisagens locais, a composição centra-se numa das faces da jarra. A paisagem retratada, ampla, solitária e melancólica, corresponde à melancolia do voo majestoso e solitário dos cisnes na amplidão do céu, ressoando ecos do Simbolismo.

Sobre um céu melancolicamente manchado de nuvens cinzentas, de um alvorecer ou anoitecer, destaca-se a mancha branca do par de cisnes voando. Na linha do horizonte, fechando um mar azul e plúmbeo, uma costa deserta e coberta de bosques.

Como tantos outros anatídeos nativos do norte da Europa, partes integrantes da paisagem e do quotidiano dos países escandinavos, o cisne é abundantemente representado na produção da fábrica.

Jarra com cristalizações verde – Alfred Renoleau - França

Hoje o blogue completa 3 anos de existência. Nem sempre temos sido constantes como gostaríamos, sobretudo neste último ano, mas vamos fazendo os possíveis para o manter sem descer excessivamente o nível.

Escolhemos para comemorar o aniversário uma jarra de que gostamos muito, não só visualmente, mas também pela matéria: o grés. Para além das texturas que tal cerâmica possibilita, agrada-nos o peso das peças, maciças e compactas. Um prazer para o tacto e para a visão.

Jarra de grés, modelada (?) em forma de balaústre, quase inteiramente coberta de cristalizações, predominantemente a verde-claro, parcialmente aureoladas a castanho-escuro na área onde sobressai, em reserva, a cor verde-olivina mosqueada de fundo. Bocal e interior beige acinzentado brilhante e liso. No fundo da base, inscrito na pasta, à mão, ARenoleau e A [Alfred Renoleau - Angoulême].

Data: c. 1910

Dimensões: Alt. 25,5cm

Alfred Renoleau (1854-1930) nasceu em Mansle na Charente, filho de um barbeiro-cabeleireiro e, tal como era tradição na época, estava destinado a suceder-lhe no negócio.

Contrariando a vontade dos pais foi sobretudo como autodidata que aprendeu, desde cedo, a arte de ceramista.

Tal como tantos outros da sua época, imbuídos de espírito romântico (pensemos em Rafael Bordalo Pinheiro, por exemplo), apaixonou-se pela arte de Bernard Palissy (c. 1510-c.1590), vindo a ser um dos mais conhecidos ceramistas do século XIX influenciados pelo artista francês do Renascimento. Em paralelo produzia também faiança tradicional decorativa e utilitária.

A sua mestria nas peças à maneira de Palissy foi plenamente reconhecida em Londres onde expõe em 1888. Este sucesso vai despertar o interesse de uma grande empresa - Grandes Tuileries de Roumazières - que o contrata como ceramista-modelador. O contrato vai durar dois anos, de 1888 a 1890.

A empresa, aliás como toda a França, queria celebrar condignamente o centenário da Revolução Francesa no prosseguimento da renovação nacional a fim de preparar a “vingança” contra o Império Alemão e recuperar a Alsácia-Lorena ocupada. Contrata assim o “artista-modelador” para participar na Exposição Universal de Paris de 1889 com tal sucesso que ganha uma medalha de ouro. Renoleau é também premiado com uma medalha de bronze a título individual pelas suas peças à maneira de Palissy que produziu até ao fim do século XIX quando os gostos mudaram.

Em 1891 muda-se para Angoulême para onde vai trabalhar como artista cerâmico, e no ano seguinte é contratado como professor de modelagem da École départementale d’Apprentissage.

Três anos depois, em1895, funda a Faïencerie d’Art d’Angoulême, que vai dirigir até à sua morte em 1930. A empresa continuará sob a direcção do seu sobrinho e, de algum modo, chegará até hoje, visto os seus descendentes continuarem a criar e a trabalhar a cerâmica.

Todavia, não é o tipo da produção descrita que nos motiva. A abertura do Japão ao mundo nos anos de 1860, vem renovar no Ocidente o gosto pelo grés. O fascínio pelas peças japonesas de formas depuradas em que a ornamentação se reduzia aos sumptuosos esmaltes que cobriam as superfícies levou os artistas, sobretudo europeus, a tentarem desvendar os seus segredos.

Fascinado pelo que viu na exposição de 1878, que já referimos em post anterior, Jean Carriès criou magníficas peças de grés e rodeou-se de discípulos que continuaram a sua obra. Sèvres irá aperfeiçoar a técnica dos esmaltes cerâmicos durante a administração de Alexandre Sandier (de 1897 a 1916) ao obter o desenvolvimento de cristalizações na superfície do esmalte.

A tudo isto não ficou indiferente Renoleau. Em 1902 vendeu uma casa que possuía e com o dinheiro obtido construiu um forno apropriado para dar aplicação prática às suas experiências na cozedura de peças de grés. Podia, enfim, a par do negócio da sua empresa cerâmica, criar objectos de grande modernidade e qualidade artística. Os seus greses de formas depuradas vão cobrir-se de escorridos ou de cristalizações que rivalizam com os dos maiores artistas da época. A jarra de hoje mostra bem o talento do artista, como sempre se considerou, dado rejeitar ser tratado como artesão e considerar a cerâmica como arte maior à maneira do Oriente.

Jarra craquelé de Martha Katzer e Gerda Conitz - Karlsruhe - Alemanha

Jarra de faiança (barro vermelho) modelada (?), de forma esférica achatada, esmaltada e craquelé. O esmalte de meio-brilho, de cor verde-turquesa, é manchado irregularmente a cinza, cor que igualmente faz sobressair o craquelé. No fundo da base, em relevo na pasta, a marca da Karlsruhe.

Data: c. 1930-32

Dimensões: Alt. c. 9 cm

Sobre Martha Katzer (1897- 1946) previamente discorremos, a propósito de uma caixa de faiança aerografada desta mesma fábrica, em 21 de Agosto de 2013.

O trabalho conjunto que vai desenvolver de 1929 a 1932 com Gerda Conitz (1901 - ?) leva-a num outro sentido igualmente experimentalista mas mais rarefeito e requintado dirigido a um grupo restrito de consumidores de elite. As faianças nobres (ditas «Edelmajolika») resultantes desta dupla, pouco abundantes, são de grande refinamento. Enquanto a Martha Katzer cabe a concepção das formas atemporais de inspiração extremo-oriental, a Gerda Conitz cumpre a decoração das superfícies, concebendo requintados esmaltes craquelé.

A colaboração termina quando, em 1932, Gerda Conitz vai trabalhar como assistente técnica de Georg Schmider para a União das Fábricas de Cerâmica de Zell em Harmersbach. De 1936 a 1946 vai dirigir o atelier cerâmico das WMF.

Este tipo de formas espelha bem a apetência que os ceramistas ocidentais tinham pelas formas despojadas e desornamentadas da cerâmica da China e, sobretudo, do Japão, que vinha desde o último quartel do século XIX, sobretudo depois da Exposição Universal de Paris de 1878. O fascínio pelo Extremo Oriente perdurou e contaminou não só o Art Déco, como os demais movimentos modernos.

A jarra de hoje é bem exemplar das contaminações entre as várias tendências da época. Poderemos defini-la como art déco pelo refinamento sumptuoso das formas e matérias assim como pela união entre a criação artística e a artesania, características estas últimas também bauhausianas.

Peça idêntica, que se ilustra, figurou na exposição «Frölich, sachlich, edel: Martha Katzer - Keramik aus der Majolika-Manufaktur Karlsruhe 1922 – 1942», no Badisches Landesmuseum Karlsruhe, em 2001.

Jarra art déco P. Bastard - Paris

Jarra art déco de porcelana moldada, em forma de balaústre, com decoração vegetalista. A cor azul de fundo terá sido aplicada a aerógrafo sobre estampilha, que deixou em reserva o branco das flores. A restante pintura, a preto, foi aplicada à mão, eventualmente com recurso também a estampilha, sobre o vidrado. A decoração restringe-se a uma única face, com o bojo a apresentar uma ondeante sobreposição de estilizadas flores brancas e azuis, parcialmente contornadas a preto, que se prolongam, subindo em falsa perspectiva, até ao bocal cintado a preto. Folhas pretas, esparsas, ladeiam as flores. A decoração reduzida a uma única face remete ainda para uma permanência de uma estética japonizante. Lateralmente apresenta a assinatura da autoria da decoração, E. Margerie. No fundo da base, à mão, a preto, silhueta de um cisne e P. Bastard Paris.

Data: c. 1925 - 30

Dimensões: alt. 21 cm

P. Bastard corresponde ao editor de objectos decorativos Georges Bastard (1881-1939), que participou nas exposições de 1925 e 1937e também um importante criador de objectos decorativos Art Nouveau e Art Déco em França. Em 1935 torna-se director da Escola Nacional de Artes Decorativas de Limoges e curador do Museu Adrien-Dubouché. Em 1938 é nomeado Diector da Manufactura Nacional de Sèvres. E. Margerie foi responsável pela decoração da maioria das peças editadas por Bastard.

Foi o acaso que nos fez encontrar recentemente, neste mês de Agosto, a peça, em Lisboa, na Feira da Ladra. Um elo perdido importante para melhor compreendermos a rede de influências na produção nacional quando a bibliografia é escassa ou inexistente.

São por demais evidentes as afinidades decorativas desta jarra com uma outra produzida pela Vista Alegre que mostrámos no passado dia 28 de Março deste ano. Se à data nada sabíamos sobre a sua autoria ou datação, tendo então mesmo sido aventado um «vago paralelismo» com peças de Eva Zeisel para a fábrica alemã Schramberg, a peça de hoje esclarece-nos com toda a certeza que se trata de uma origem francesa, concebida ao nível da decoração, e possivelmente também da forma, por E. Margerie para Bastard-Paris. 

São as consequências de temos descurado nos últimos tempos esta nossa procura de objectos em solo nacional. Isto é, não temos tido disponibilidade para fazer os trabalhos de casa, como, aliás, também este blogue se tem ressentido.

Cache-pot art déco com borboletas – K & G – Lunéville - França

Cache-pot art-déco de faiança moldada de cor branca com decoração policroma, estampilhada e aerografada, de borboletas e núvens estilizadas por entre as quais perpassam raios de sol. No fundo da base carimbo verde K et G – Lunéville - France. Inscrito na pasta 159 e mais qualquer coisa ilegível para além de um símbolo que lembra lunetas.

Data: c. 1922-30

Dimensões: Alt. 18 cm x Ø 24 cm

A decoração deste cache-pot aparece-nos atribuída a Géo Condé que a terá concebido por volta de 1922-25. Foi produzida também na variante de guarnição de chaminé (jardineira ladeada por par de jarras).

A marca encontra-se referenciada como tendo sido utilizada entre c. 1890 a c. 1920, o que não contradiz a autoria atribuída, mas … (In: Annabelle Héry - La Faïencerie de Lunéville: 1786 a 1923. 1998, pág. 138).

Este tipo de representação gráfica de nuvens espiraladas terá surgido na China, nos inícios da era Ming, de onde irradiou para todo o Oriente, tendo chegado ao Japão no século XVI. Será por influência do japonismo que, a partir do último quartel de Oitocentos, invade a arte ocidental. O fenómeno teve larga expressão tanto na Arte Nova como no Art Déco. Da pintura aos têxteis, da serralharia artística à cerâmica, o motivo popularizou-se. Aliás, esta estilização em espiral encontra-se também em vagas, flores e mesmo folhagem (veja-se, entre outros exemplos já aqui ilustrados em 6 de Novembro de 2011, as jarras da Lusitânia-Coimbra e de Jean Leclerc). As próprias borboletas são motivo recorrente na arte japonesa vindo igualmente a integrar o reportório ocidental de acordo com essa estética.